アナリーゼ
2006年10月02日
ドミナント（D）→トニック（T）
アナリーゼを演奏に生かすコツは、
コントラストについてだけではありません。
重要なドミナント→トニックを感じること。
これ、かなぁり演奏に変化が出てくるのです。
例えば、AからBへ音楽が移る際、
大抵Aの終わりはドミナント→トニックとなっています。
そして、改めてBが始まるのです。
文章を読むとき句点や読点を無視すると、
何を言ってるのかわからなくなりますよね。
それと同じです。
私が大切にしているD→Tは、
この「区切り」としてのD→Tです。
私はスケール練習の際、
一番基本的なTSDTを生徒に弾いてもらうことにしています。
様々な調のD→Tに慣れてもらうためです。
Cdurでやるなら、
「ドミソ（T）→ドファラ（S）→シレソ（D）→ドミソ（T）」
左は根音「ド（T）→ファ（S）→ソ（D）→ド（T）」と弾きます。
このとき基本的なD→Tの感じ方を伝えています。
「ドミソ→ドファラ→シレソ、シレソ、シレソ、シレソ・・・・・・・・・・」
Dをクドクドと引き続けるとどういう気持になるのか？
「ドミソ」に落ち着きたくなります。
Dは、とても不安定で緊張感のある音。
だから、Dに続くTは「ホッとした気持で」が私の基本です。
物理的に言うならDをしっかりとした音量で弾き、
それに続くTを半分の音量で弾きます。
こうすると感じやすいですネ。
最初のTは「これはCdurだよ」という意思表示。
しっかりと安定感を持って。
続くSは、次に展開するという広がりを感じるハーモニー。
そして、大きな緊張感を持つD、
それに続くTでホッと一息。
何も感じずにカデンツァを弾くのではなく、
このようにハーモニーの特徴を感じて、
それを音にしていくことをとても大切に思っています。
次にハーモニーには方向性があると感じること。
何故方向性が出てくるのか？
大きな原因は「限定進行音」の存在。
私の先生の受け売りです。（笑）
これを知ったことは、とてもとても大きなことでした。
このカデンツァのD→Tには、
導音という限定進行音が含まれています。
導音は、その名の通り主音へ向う音です。
シ→ド というドへの解決を感じること。
この「シ」を響かせて演奏すると、
よりハーモニックな演奏になります。
アナリーゼを演奏に生かすってこういうことだったんだ！
今の先生について目から鱗でした。
そして楽譜を読む楽しさが倍増しました。
この基本的で単純なTSDTを全調弾けるようになると、
耳がD→Tに慣れるので、
たやすく楽曲上のD→Tを発見することができるようになりますヨ。
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2006年09月29日
コントラスト
私が今の先生から教わっていること。
「アナリーゼを演奏に生かす」
一貫してこのテーマでレッスンを受けています。
もともとネットで知り合い、
友人関係から発展した師弟関係にあるので、
こちらの希望を伝えやすい。
なんとも贅沢な関係です。
どうしてもアナリーゼというと、
頭の中だけの理論で終わってしまう。
演奏のためのアナリーゼって？
これがずっとずっとわからなかったのです。
この先生から様々な視点を教わっています。
今まで見えなかったことが見えてきて、
楽譜を読む楽しさに目覚めました。
そして、なによりも弾くことが楽しい！
形式を知るということが、演奏にどう関わってくるのか？
古典派の音楽の特徴はなんだと思う？と聞かれたとき、
答えられなかった私。
古典派の音楽の特徴である「コントラスト」が見えてきたとき、
ソナタだけではなく、あらゆる楽曲の演奏が変わりました。
きっと、息が長くなったんだと思います。
今まで数小節単位の小手先だけで演奏していたものが、
大きなまとまり（流れ）として捉えることができるようになったから。
ソナタ形式の第1主題と第2主題のコントラスト。
それは、主調⇔属調という関係だけに留まらず、
リズムだったり拍の感じ方だったり（縦ノリ、横ノリ）、
様々にコントラストがつけられています。
これらが見えてきたことで、演奏にどんな変化が出るのか？
一番大きな違いは、変化する瞬間の第1音目です。
第2主題の第1音目の弾き方がぐんっとよくなる。
ただ、だらだらと第１主題の流れで第２主題に入るのではなく、
明らかに第2主題へ入るぞ！という気持ちの入替えが、
第2主題の第1音目直前の呼吸に現れるんです。
たったそれだけで演奏ががらりと変わる！
ソナタ形式でこのことを学んだことによって、
2部形式や3部形式の楽曲を弾く際にも、
もちろんロンド形式も！
あらゆる楽曲で「変化」する瞬間の第1音目への意識が変わりました。
形式についての詳しい知識よりも、
変わり目を知ることの方が大切です。
そして、その変わり目をはっきりと意識して演奏すること。
変わり目の瞬間、第1音目が大切。
その第1音目を、どんな音色で弾きたいのか？
その第1音目に続く音楽を、どんなノリで弾きたいのか？
第2音目では手遅れです。
第1音目を弾く直前に意識ができていること。
次にどう弾こう？と思えること。
とてもとても楽しいことだなぁと思います。
なんとなく指が音符通りに動いているのではなく、
「次はこう弾きたいんだ！」という強い思いを持つ楽しさ。
音楽に息吹が与えられる瞬間なんですよね。
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2006年08月08日
バッハ フランス組曲
昨日レッスンがありました。
あ、私が生徒ですヨ。（笑）
国立音楽大学の夏期音楽講習会の鵜崎先生の講義。
ここで学んだことをフランス組曲第2番に応用して、
自分なりに「骨格」を見つけ出していました。
とはいえ、私の能力はまだまだ未熟なので、（_ _;）
クーラントの途中で止まったまま。
以降は来月までに・・・ですが。。。
でね、自分で分析した和音が合っているとは限らないわけで。
ブルグミュラーは使われている和音が少ないし、
縦のハーモニーがはっきりと見えてくるので、
アナリーゼしやすいのです。
ところがところが、バッハは対位法で書かれています。
左右ともメロディ。
その上、ブルグミュラーに比べハーモニーがコロコロ変わるので、
どこまでが「骨格」なのか見つけづらい。<(;~▽~)
で、ピアノのレッスンに入る前に、
それらをチェックしていただくことに。
とにかくこの機会に、こういった視点を身につけてしまいたい！
ピアノレッスンより、今の私にとっては大切とも感じたので。
先生は、やっぱりスゴイ！！
小さな頃から作曲の先生についてピアノを学んできている先生なので、
頭の中にある楽曲の多さと知識の多さは異常。（笑）
「ここは、ホラ！ベートーヴェンがマネしてるじゃない？」とか・・・。
あっという間に他の楽曲へと結びついていきます。
あぁ、この先生に出会えてよかった！と心から思います。
チェックしてもらった結果、
昔の私よりかは、随分できるようになっているようで、
わからなかった部分、悩んだ部分以外は大丈夫でした。ヨカッタ！
何度も何度も消しゴム使ってやり直した甲斐があるというもの。
いやぁ、時間かかりすぎですね。(;´▽｀A``
こうやって全体像を把握した後に、
必ず部分ごとの特徴を文章にしていらした鵜崎先生。
それが楽曲を大きく見るコツなのだと感じたので、
私もそれをフランス組曲でやってみることにしました。
私なりに「自分の演奏に役立つ！」という視点での文章なので、
作曲家を目指している人の分析とは違うかもしれないけれど・・・。
とりあえず、私がこの楽曲をアナリーゼしてみて、
こういう点を意識して演奏したい、と思ったところを書いてみようと思います。
【フランス組曲：第2番アルマンド】
・冒頭�困力族擦龍舛�
→もうこの響きがたまりません！でも、なかなか思ったような響きにならず。(T_T)
・イ音と繋留音が多く使われていること
→イ音って意識すると、本当に演奏がかわりますね。
ピアノのレッスンでは、繋留音をどう演奏したら様式感が出てくるか、
といったところまで教えていただけたので、楽しかった！！
チェンバロの特徴を踏まえたものだったので、さらに面白さ倍増！
・第1部４拍分のゼクエンツに対して第2部2拍分のゼクエンツ
→ただ弾いてるだけだと感じないのに、こうやってみると
第1部より第2部の方に動きや切迫感があるのがわかって面白いです。
・第2部は冒頭いきなりドミナントから始まる
→こういう部分もなんとなく感じて演奏するのと、
明らかに「ドミナントから始まってるんだ。」と意識して演奏するのとでは、
変わってくるのだから面白いなぁと思います。
・第1部、第2部ともにピカルディ終止
→同じピカルディ終止でも、そこまでの道のりが違うのが面白いです。
それをどうやって演奏するか？悩みます。（_ _;）
・左は通奏低音、右は2声（トリオ・ソナタ風）
→これに気づくと、練習方法から変わってくるんですよね。
・最後の最後で現れる借用和音。
→私がこの曲を演奏する際、どうやって演奏しようか一番悩んだ箇所。
フランス組曲の第2番といったら、音数はそれほど多くなく、
大して難しくない曲・・・と思われている曲。
ところがところが、今の私にとってはシンフォニアより難しく感じる代物。（_ _;）
それぞれの舞曲についてもわかっていないとだし、
「組曲」なので前後のかかわりをどう持っていくかの意識も大切。
繰り返しをどのように演奏するかも迷ってしまうし。
考えなきゃいけないコト、感じなければいけないコトが、
なんか、すっごくすっごく多い気がします・・・。
特に、アルマンドとサラバンドとメヌエットが難しい。(T_T)
ゆったりした曲というのは、本当に難しい！！！
「まだまだお子ちゃまネ」と言われても仕方ない演奏になってしまう・・・とほほっ。
とにもかくにも、「求めている響き」がある以上、
その求めている響きを得るためには、
どのようにピアノを「操作」しなければならないのか、
追求していかなきゃ、何も始まらないんですよネ・・・。
ちょっと壁にぶちあたっていたところだったので、
昨日のレッスンは、本当にありがたかったです。
舞曲の特性と楽譜が思うように私の中で結びつかなかった部分や、
繋留音がどうも上手く演奏できなかったことなどなど・・・。
なんかね、すごくいいタイミングのレッスンだったと思うんですヨ。
鵜崎先生の講習会。
往復の道のりでの読書。（バッハの装飾音について）
↓
自分なりに消化してみて、試してみる。
↓
レッスン
という自然な流れが出来上がっていたことに驚きです。
ここで「自分なりに消化して試してみる」時間がなかったら、
「もう私一人ではムリ！」という段階にいたらないうちに、
レッスンってことになっていただろうし、
レッスン後に鵜崎先生の講習があったら、
今回のように自分なりにやってみたアナリーゼを、
先生にチェックしてもらうこともできなかっただろうし。
ぶちあたっていた壁が崩れてくれたお陰で、
これからまた、一歩一歩前へ進めそうな予感♪
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