livedoor音楽/How to
2008年07月03日
タッチによる響きや音色、ニュアンスの聴き取り
最近我ながら成長したなぁと思うコト。
それは『耳』です。
まだまだ未熟ではあるけれど、
以前よりずっとずっと成長した、
と感じてイマス。嬉しい♪
CDを聴いてわかるようになったコト。
フィンガーペダルなのか
ペダルを使用しての響きなのか？
本当のレガートなのか、
それともポルタートのタッチで
レガートに聞こえているだけなのか？
これってすごく大きい。
よくピアニスト評で、「明快な音」と書かれていることがよくあるけれど、
これってイコール指が強靭である・・・とはいえないんですよね。
基本的にポルタートのタッチの使用が上手いと、
明快な音色になりやすい。
こういうとき、指の強靭さより、指の瞬発力の方が重要だと感じます。
弱音でも指に瞬発力のある人は、いい音色で演奏できる。
クリアな音色になるからです。
そして、ポルタートのタッチにはこの瞬発力がどうしても必要になってくる。
音を発音するときの瞬発力と、
音を切るときの瞬発力。
どちらかというと切るときの瞬発力の方が大切かもしれません。
以前はわからないことだらけだったなぁ。(^_^;)
どうしてピアニストの音色と私の音色は、こうも違うのだろうか？
どうしてピアニストの音色はこんなにも豊富なのだろうか？
どうしてピアニストのニュアンスはこんなに細かいのだろうか？
そう弾きたいのにそう弾けない、もどかしさ。
どうしたらそういう演奏になるのかがわからなかった。
それがわかるようになってきたのですヨ。
その上、そういうタッチの使い分けができるようになってきたお陰で、
ピアニストがどのようにして音色や響きを作り出しているのかを、
聞き分けることが多少なりともできるようになってきたのデス。
例えば、今私が練習している曲。
モーツァルトのソナタ第13番K.333。
これを自分好みの音楽にするのには、どうしたらよいのか？
タイムリミット方式の練習をしているので、
しっかりと仕上げることはできないけれど、
それでも好みの響き・流れを作るためにはどうしたらいいかの、
思案くらいはしたいもの。
以前ブログにアップした、
フォルテピアノとモダンピアノの響きの違い。
これが私のネックになっていました。
青い線がモダンピアノ。赤い線がフォルテピアノです。
フォルテピアノは発音がすばやく、発音直後に減衰し、
減衰した音が長く伸びます。
それに対し、モダンピアノは発音がゆるやかで、
ほとんど減衰することなく太い音色が長く伸びます。
私がここに求めている音色や響きは、
とても軽やかなものなのですが、
モダンピアノで弾くとどうしても音がくぐもってしまいがち。
特に、ティーヤッのアーティキュレーション。
赤い四角で囲んだところです。
普通にレガートのタッチで弾くと、後音のシがくぐもってしまいます。
こういった音型のとき、よくレッスンで言われること。
後の音もしっかりしたタッチで弾きなさい。
それは、前音に後音が隠れてしまって、
せっかくのニュアンスがくぐもったものになってしまうからです。
でも、私はそこに音の強弱も付けたかったのです。
リズムとしてのニュアンスだけでは物足りない。
大きな音量の差は欲しくないけれど、
ニュアンスを感じる程度に、後音の方を小さく弾きたい。
そこで出てくるタッチがポルタートです。
前音と後音の間に、ほんのちょっとだけ隙間を作ります。
聴いている人が気づかない程度の隙間。
先ほどCDで聴き取れるようになったとお話した、
本当のレガートなのか、それともポルタートのタッチでレガートに聞こえているだけなのか？
くらいの隙間です。
この聴き分けは、実際に演奏し分けることのできる人でないと、
できないんじゃないかなと思いマス。
それくらい微妙なモノ。
でも、明らかに聴き比べるとイメージが異なってくるんですヨ。
このイメージの違いは、聴き分けのできない人でも感じることができるものです。
ピアニストのCDをじっくり聴き比べていると、
私好みのピアニスト（ニュアンスが細かい人）は、このポルタートとレガートの弾き分け、
フィンガーペダルと足によるペダルの使い分けがスゴイ！
この冒頭の小節。
右手をポルタートのタッチで弾くことにしたものの、
なんか響きがパサパサしてしまう。
ポルタートの響きでは余韻がなくなってしまうからです。
ということで、左をフィンガーペダルで演奏することにしました。
赤い線のように、音を保持したまま演奏します。
ダンパーペダルを使用してしまうと、
全体がもやもやっとしてしまうし、
せっかくの右のアーティキュレーションが死んでしまうので・・・。
この箇所、フィンガーペダルを用いた瞬間、本当に美しい響きになるんですヨ。
弾き分けができるようになってきたこういうタッチを、
これからもっともっと突っ込んで身につけていきたいなぁと思ってイマス。
でもね、そのためには技術が必要なのですヨ。
というのは、技術がなくてこれをやってしまうと、
音楽の流れが失われてしまうからです。
流れの中にこのような繊細な響きがあるからこそ美しいのですよね〜。
ある大学の講演会へ行ったときのこと。
テーマはモーツァルト。
外国からいらした、ピアノ教育者として活躍なさっている教授の講演でした。
モーツァルトのタッチはこう演奏されるべき、という主張。
そこには、今お話したようなフィンガーペダルを用いることなどが含まれていました。
講演会最後に、模範演奏として１曲弾いてくださったのですが、
その演奏はというと、全く響きや流れのない音楽で、
う〜む。とうなってしまったのですヨ。
「モーツァルトはこう弾くべき！」が先行してしまって、
音楽が置き去りにされている印象を受けたのです。
目指している響きで演奏するには、
左右全く違う動きをしなければならなく、
かなり細かい指のコントロールが必要になってきます。
しかし、そこに囚われてしまうあまり、
音楽が置き去りにされてしまっては本末転倒。
今私が自分に求めているものは、
欲しい響きや音色を、
自分が求めている音楽の流れに乗せること。
これが難しい！！
私はこの教授のように、細かなところにこだわるタイプです。
でも、こだわりすぎると流れがなくなってしまう。
流れを忘れてしまうんですよね。
結局欲していたニュアンスすら掻き消えて、
つまらない演奏になってしまう。
楽曲の構成を把握して、
全体の流れをこうしたい！と思ったら、
それを見失うことなく、細かなニュアンスに取り組みたいトコロ。
私の演奏に対して世界一厳しい彼が言ったこと。
「恵美子の演奏は、ページを一枚一枚
めくってる感じがする。
本来いい音楽っていうのは巻物のように
一枚になってるはずだよね？」
何故素人の彼が、
こんなに鋭いことに気づくんだろぉか。（_ _;）
素人ならではの素直な感想。
だからこそ、私にとって一番ありがたい指摘。
ピアノを弾いている人は、
どこか”甘さ”のある評価をするので。
純粋に”聴く”という立場での評価は、
本物だといつも思わされます。
ってことで、
これが今後の私の課題なのですヨ。
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2008年05月23日
総合的な暗譜
La Musipue du soleilのお仲間、
栞先生のブログで話題になっていた暗譜。
改めて、暗譜について振り返る機会となりマシタ。
その上、来月発表会を控えている我が教室。
大人の初心者の生徒さんの場合、
暗譜のためのレッスン、暗譜のための取り組み方、
というアプローチがどうしても必要になってきます。
タイミングがバッチリだったんですよね〜。
これは暗譜について考えをまとめるいい機会だと、
自分の考えをまとめる意味合いをこめて、
ここに書くことにしました。
初心者の大人の生徒さん。
普段は暗譜で弾けているのに、
緊張したら頭が真っ白になって、
自分がどこを弾いているのかわからなくなってしまう。
緊張しやすい大人の生徒さんによくあるコト。
まず、私が基本としているのは以下の３つです。
�〆犬世韻念塗茲巴討韻襦�
��右だけで暗譜で弾ける。
��左を弾きながら、右を歌って弾ける。
・・・・・詳細は、ミューズ図書館のここに書いています。
特に左は、感覚だけでなんとなぁく弾いている場合が多く、
緊張した瞬間に、頭が真っ白になりやすいようです。
確実にドレミで歌える・・・が基本だと感じます。
また、��は横の流れを感じるために、とても重要で、
全く流れを感じずに練習していたことが発覚すること多々あり・・・です。
流れをわからずに演奏していると、
本番途中で止まってしまったとき、次に進むことができなくなってしまいます。
止まった自分に対処できなくなってしまうのです。
音楽として体に取り込んでいないものは、
なかなか根付きにくいものです。
音の流れがよくわかっていない状態で、
とにかくドレミで覚えている。
これでは体が素直に反応してくれません。
それに、弾いていてつまらない？！
音楽的ってなんでしょう？
私たちは、楽譜から何を感じ取って表現するのでしょう？
私は、楽譜から音と音の連なりを感じます。
ハーモニーを感じます。
そして、遠目になって楽譜全体を眺め、
それぞれの部分に自分が何を感じるのか、
自分に問いかけます。
ここは嘆いているのか？男女のささやき合いなのか？
それとも内に篭って何かを思索しているのか？
うなだれているのか？
ここは喜んでいるのか？
それともはしゃいでいるのか？
はたまた、爽快な気持ちで心を開放しているのか？
それぞれの部分に、自分が感じる感情があります。
私は暗譜と、このような音楽的な感覚を、
別個に捉えることができません。
表裏一体だと感じるからです。
音と音の連なりそのものを暗譜する。
連なりを感じていれば、そこに感情が発生するはずです。
連なりを感じているということは、
ひとつひとつの音を認識しているということでもあります。
認識できていれば、暗譜は容易です。
例えば、こんな楽譜があったとします。
これを音名とリズムだけ暗譜して、
「ドーレッ、シードッ、ラーシッ、ソーー」
と覚えることもできるでしょう。
しかし、それはとても薄っぺらな暗譜で、本番とても危うい。
そこに何も感じていないということは、
記憶として定着しにくいものだからです。
印象が薄すぎるのだろうと思います。
暗譜は、印象が強ければ強いほど根強く確固たるものになると感じます。
この音楽が、実は２分音符のソに向かっていて、
ド→シ→ラ→ソという音の方向性があるのだと気づいたらどうでしょう？
一気に暗譜しやすくなるのではないでしょうか。
そして、気持ちが込もりやすくなる。
そこに何かを感じる自分が生まれるからです。
そこに何かを感じるということは、
その感じたものを表現しようという意識が働くということ。
そういう強い意識が、ゆるぎない暗譜に繋がるのだと私は思います。
次に私が気をつけているのは、遠目で楽譜を眺めるということ。
これは、自分の立ち位置をはっきりと認識した上で演奏する、ということです。
一体自分は楽曲のどの部分を演奏しているのか？
初心者の大人の生徒さんで、
２４小節の楽曲を演奏する人がいます。
１区分あたり４小節。3部形式の楽曲です。
Aという音楽には、４小節ずつのaとa1があり、
Bという音楽には、４小節ずつbとb1があり、
A１という音楽には、４小節ずつのaとa2があります。
生徒さんが暗譜で危ういのは、a1とa2の区別です。
でも、この２つは明らかに意味合いが違う。
行き先が違うのだから当然です。
次にこの曲はどこへ進もうとしているのか？
そこにある音には、必然性があるのです。
そこへ向かうための音の流れがあるからです。
a１は、この楽曲の盛り上がりとなるBへ進もうとしています。
a１を演奏する際には、次にくるBを想定して演奏しないと、
感情が湧き上がりません。
そして、そのために置かれた”音”がある。
この音の流れがあるから、Bへ行ける・・・という音です。
そこに気づいた瞬間、暗譜は完成します。
なんとなく弾いていた音が、なんとなくではなくなるからです。
Bを弾き終えると、次にはA１が待っています。
b1は、この楽曲が終息するA１という音楽へ向かっているということ。
そして、A１では再びAと同じフレーズが聴こえてくるのだということ。
楽譜にデクレッシェンドが書かれていなくたって、ここはそう弾きたくなる！
デクレッシェンドが書かれているから、デクレッシェンドにしなさいではなく、
必然性がそこにはあるのです。
・・・・もちろん場合によっては、デクレッシェンドしたいと自分が思うような場面でも、
作曲家の意向でクレッシェンドと書かれている場合も多々あります。
この必然性に気づくと、自然に音は流れていきます。
無理がない。言われたからやってます感のない音楽になります。
そして、今自分がどこへ向かおうとしているのか、
立ち位置がはっきりし、確固たる意識で演奏することができます。
再びAの音楽に戻ってきての、最後の４小節。
a１と明らかに違うのは、発展性がないということです。
a１は音楽が発展するBへ向かいたかった。
でも、a２はこの楽曲が終わる小節なのです。
こういった全体を把握して部分練習をする。
今私はどこを練習しているのか？
今私はこの部分に何を感じて弾いているのか？
私はこの音楽をどうしていきたいのか？
立ち位置がはっきりしていると、
あらゆる事柄が明確になってきます。
そして、”自分の意思”が働きだします。
暗譜にとって、”自分の意思”は必要不可欠のものではないでしょうか？
何より、意味も解らず練習するより、
「こうしたい。」という意識がはっきりとした上で練習する方が、
ずっとずっと楽しい！！
このような練習に部分練習は不可欠です。
そして、「こう演奏したい」が、音と音の繋がりがあってもたらされるものなのだとしたら、
その演奏は、全体の構成に合った部分練習になるはずです。
立ち位置がはっきりした状態での部分練習は、
そのまま暗譜に役立ちます。
いつでもどこでも、自分の弾きたい場所から弾くことができる。
ゆるぎのない確固たる暗譜です。
暗譜に関わらず、私がピアノ講師になった当初から念頭に置いていたこと。
それは、生徒さんの”気づき”でした。
楽譜から何かに”気づく”ということ。
これがなければ表現へは繋がりません。
クラシック音楽の特徴は、楽譜にあります。
西洋では、ミュージックというと楽譜のことを指すそうです。
それくらい、楽譜が重要な位置を占めている。
それがクラシック音楽です。
楽譜から”気づく”ことができて、
初めてそこに”自分”を見出すことができる。
じゃぁ、自分はその”気づき”をどう演奏しようか？に発展させることができる。
”気づき”を提供することができれば、
「どう演奏しよう？」という解釈は、生徒さんの自由です。
そこに私の入る余地はない。
生徒さんの演奏を聴いて、
あぁ、この生徒さんはこんな風に弾きたいのだな、と感じる。
でも、なかなかそういう音楽にはなり得ていない。
そういうときに、
こう弾きたいのであれば、こういうテクニックがあるよ・・・というアドヴァイスをする。
それが私の存在意義。
なぜ私はここにいるのか？
それは、楽譜からの”気づき”を生徒さんに発見してもらうため。
そして、生徒さんが演奏したいという表現を、
実際の音となるようアドヴァイスしてあげるため。
生徒さんに使われるピアノ指導者でありたい。
生徒さんにとって利用価値のあるピアノ指導者でありたい。
いかに楽譜から”気づき”をもたらすことができるか。
そう演奏したい・・・ためのテクニックの引き出しがどれだけあるのか。
これは、一生かけて私が得ていかなければならない課題です。
楽譜はただの記号。
でも、そこにはとてつもない奥深さが秘められていて・・・・。
だからこそ、クラシック音楽は一生をかけて楽しめる世界なのだなぁと感じます。
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2008年04月14日
指のバネって大切
ピアノを教えていて思うコト。
指のバネって大切なんだなぁというコト。
指の瞬発力とでも言えばいいのか・・・。
特に大切だと思うのは、戻りのバネ。
鍵盤から指を離すコントロールです。
生徒さんたちに、
空中で指を動かして、とお願いします。
１２３４５と付け根から動かしてもらいます。
（第2関節から動かしたのでは、鍵盤が下がらないので。）
ほとんどの生徒さんが最初に見せる動き。
指の戻りがないんですよね。
これじゃ、音が重なってしまいます。
なんとなぁく指が鍵盤から離れてくれるので、
なんとなぁくに任せて弾いている・・・といった状態なのだと思います。
どのタイミングで音が切れるのか、
どのタイミングで次の音にバトンタッチするのか。
それがなんとなくで済ませている場合。
荒い音色や、だらしない音楽に聞こえてしまいがちです。
本当は、こんな風にきっちり戻りを意識したいトコロ。
生徒さんに、「戻して」という声かけをすると、
みなさん必死で戻そうとします。
でも、なかなか戻らない。（笑）
意外にこのコントロールって難しいようです。
結構筋肉使うのかな・・・なんて思ったりもし。
次に和音が続く場合のお話。
なんか音が揃わない、なんか汚い。
理由はいくつか考えられると思いますが、
指のバネが使えていない場合、
次のような原因が考えられますネ。
�“�音のタイミングが揃っていない
��音の切れるタイミングが揃っていない
�，�原因の場合は、指の準備が遅いから。
�△�原因の場合は、指の離しを意識していないから。
このどちらも指のバネが必要です。
こんなとき、私は生徒さんに空中で指を動かしてもらいます。
１３５の指を同時に付け根から動かし、
次にそれらの指を戻して、
即時１２５の指を動かします。
生徒さんたちみなさん、指の準備に苦労します。
１３５から即座に１２５へ指が反応してくれない。
でも、実際鍵盤の上では、
余裕を持って鍵盤を押さえる前に、
指が準備できていなければならないのデス。
準備さえできていれば、音は揃いますし、
希望通りの音色を作ることができ、
希望通りのタイミングで音を鳴らすことができます。
また、和音が続くと音が重なってしまいがちな人や、
はぎれの良い和音で演奏したいのに、
どうも音がにごって聞こえてしまうという人。
指の離し方が鈍いとはぎれの良さは失われますし、
だらしのない音に聞こえてしまうものです。
実際に生徒さんに空中で動かしてもらうと、
こんな風になってしまう人がほとんどなんですヨ。
しっかり戻せていません。
弾くことしか意識できておらず、
鍵盤の戻りを一切無視してしまっている、ということですネ。
１６分音符のパッセージにしても、
重音が続く音楽にしても、
私はこのような空中運動をよく取り入れます。
これを数回やるだけで、いい音に変化することが多いからです。
本当は、こういうことでバネを鍛えていく必要があるんでしょうね〜。
指の瞬発力と筋肉のバネ。
粒の立ったクリアな音色を作り出すには、
不可欠なんですよネ。
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2008年02月29日
ぼやけた音をクリアな音へ＆左の意識
先日ある大人の生徒さんが、
「どうしてもぼやけた音になってしまって、
結局わからないまま練習してきてしまいました。」
とレッスンにいらっしゃいました。
心配そうに「練習らしい練習にならなかった」
と反省を述べていらっしゃいましたが、
いやいや！
「ぼやけた音になっている。」
と感じる”耳”があるということは、本当にすばらしいこと。
求めている音があるってことですものネ。
「先生の音は耳に残っているんです。
でも、あんな風にクリアにならないんです。」
これまで左右のバランスやら、指のつかみやら、
いろぉんなことを雑多にレッスンしてきていました。
そこで、これらのテクニックが具体的にどのような表情（音）と結びつくのか、
しっかりと整理させる必要を感じ、
一度頭を整理してみよう！
ということになりました。
レッスンノートに、
ぼやけた音になるのはなぜ？
と書き、その下にその原因となる点を箇条書きにしました。
・左右のバランスが悪い
・指先でつかめていない
・・・・これは指先が使えていないということです。腕だけで弾いているということ。
・正確な音の長さになっていない
・・・・これはバロック・古典派の楽曲の場合です。
音の長さが適当だと、全体がぼやけて聴こえるものだからです。
こうやって、問題点とその原因として考えられる点を次々にあげていき、
その日のレッスンは終わりました。
そして、それから一週間後のレッスン。
「今週はぼやけずに練習できました！」
と嬉しそうな表情。
「だらだらした練習にならず、
練習した！と思える練習ができました。」
とのこと。
やっぱり整理って大切なんだな〜を実感です。
家で練習していてなんだか上手く弾けないということは、
よくあることなのではと思います。
しかし、
”何故上手く弾けないのか？”
という原因を突き止めるのは難しいもの。
原因がわかれば、練習も生き生きとしたものになります。
けれど原因がわからないと、ただダラダラ弾くだけになってしまう。
頭を使った練習になるかならないかは、
そういった分析がきちんとできるかどうかにかかっているんですよね。
ぼやけた音に対する対処法がわかった今週のレッスン。
私は改めてある大切さを実感させられました。
今回のレッスンは、私にとってとても意義深いレッスンとなったのです。
それは
”左伴奏をよく聴く”
ということ。
・片手ずつはスラスラ弾けている
・両手もそれなりに弾けている
・左右のバランスもできている
それなのに、なんかガタガタした演奏になる。
その上、メトロノームと合わせると合わない！！
何故？なのです。
左伴奏の音の粒がそろっていないからなのか？
それとも両手の兼ね合いが上手くいっていないからなのか？
もしくはフレーズの歌い方に不自然なところがあるからなのか？
いくつか原因を探って、
それ相応の練習をしてみました。
でも、なんかしっくりこない・・・。
そこで、一言。
「左手をもっと聴いてみましょう。
次は、右手はほとんど聴かないくらいの意識で、
左手だけを聴いて弾いてみて。」
あらあら不思議！！
あっという間に問題解決しちゃったんですよ。
左手伴奏が右手に流されていたんですね。
しかも、右手にばかり意識がいくものだから、
左手の音の粒もそろわないし、テンポも狂ってしまう。
今回のレッスンでは、
この”左手が聴けていない”が原因で、
ガタガタした演奏になっていた箇所が数箇所みつかりました。
原因はテクニック不足にあったのではなく、
”耳”
だったのです。
この生徒さんは、現在古典派の楽曲を練習中です。
アルベルティバスなど古典派の伴奏って、美しく聴かせるのがとても難しい！
汚いのが容易にばれてしまうんですよね。
そのため、ロマン派以上に左伴奏への意識を高めないと、
美しい演奏には決してなりません。
・・・・もちろん古典派以外の楽曲すべて、
左伴奏への意識が高ければ高いほどいいんですよ。
自分の練習の際には、
常に左手への意識・・・というよりすべての音への意識！
とかなり気を使っていたつもりだったのですが、
指導に関しては、まだまだ甘かった私です。
これは”どういう演奏のとき、左が聞けていないことが原因なのか”、
という指導の引き出しが、まだ私に定着していないということ。
私に定着していないということは、
”なんか変”をいい演奏にするための試行錯誤で、
生徒さんを振り回してしまうことになりかねないということです。
生徒さんの演奏を聴いただけ（もしくは見ただけ）で、
すぐ原因を究明できるようになっていたいトコロ。
人間の耳って、低音は聴き取りづらいんですよね。
以前三重奏を体験したとき、
チェロの音がなかなか聞き取れなかったことがありました。
ヴァイオリンの音色はワンサカ聞こえてくるのにも関わらず！！
その後コントラバスの伴奏を何度かするうちに、
低音に耳が慣れたような気がします。
これは自分の演奏についても言えることで、
やはりどうしても高音に耳がいってしまいがち。
低音はよほど意識しないと耳に入ってこない。
これは、ロマン派の楽曲に深く接することで、
随分聞き取れるようになった気がしています。
特にショパンは倍音を上手く使う作曲家なので、
低音の響かせ方次第で、
ピアノの響きが豊かにも薄っぺらなものにもなるということが、
一目瞭然なんですよね。
今生徒さんがやっているアルベルティバスなど古典派の伴奏は、
ショパンなどに比べどうしてもないがしろになりがちなものです。
でも、私はこういう伴奏にこそ右手以上に神経を使います。
そしてそれは、”左をよく聴く”ということで得られる美しさなのだと、
この生徒さんを通して学ぶことができました。
やっぱりレッスンっていいですね〜。
レッスンは生徒さんを通じて自分が成長できるいい機会、といつも思うんですヨ。
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ちょっと忙しくなってきたため、
しばらく更新頻度が低くなる予定です。m(__)m
この合間に未読のブログorHPに載せている様々な文章を
読んでいただけたら幸いです。
・・・・もうすでに読まれている方は、ごめんなさい。
☆発達障害児レッスンアプローチ
☆伝えたいこと（発達障害について）
☆表現ピアノテクニック
☆ミューズ図書館（音楽エッセイ）
☆ピアノ史メモ年表
☆ピアノの歴史
☆教材を眺めて
☆HowTo
☆音楽知識
2007年11月16日
スタカートに惑わされない
4分音符だけで動く左。
見た目には、と〜っても簡単。
だから思わず侮ってしまう。
「でもね、先生は○○ちゃんのこの難しい部分は心配しないけれど、
この4分音符の譜読みが次回までちゃんとできるか不安だなぁ〜。」
何故？どうして？
4分音符だけのところなのに。
1日やればすぐにできるようになっちゃうよ？
・・・・・でも、できるようになってないよネ。(笑）
こういうトコロって、意外に弾きにくいのよ。
なかなか指が覚えないのよ。
「4分音符だからって、おいらのこと馬鹿にしてるだろ〜。
そうはいかねぇ〜ぜ！って嫌味なところなのよ〜。」
と生徒さんの笑いをとりつつ、
いやいや本当に侮れないのデスヨ。
侮ってるといつまでたっても弾けるようにならないのデス。
楽譜にスタカートがあると、
目まで点になっちゃう人が多い。
隣の音符との繋がりまで絶ってしまう。
そうすると、まとまりが見えてこなくなっちゃうんですよね〜。
音楽的な演奏にもならないし。
「WA」と「TA」と「SHI」と「PI」と「A」と「NO」と「SU」と「KI」を
それぞれ暗記しなさいっていわれても、
なかなか暗記なんてできないもの。
でも、
「私、ピアノ好き。」
と文章にすると、すぐ覚えられる上に感情も込められる。
スタカートにも文章があるのデス。
こんなとき、私は生徒さんにこう言います。
「全部レガートで弾いてごらん。」
隣の音との関係性を実感してもらうコト。
そうすれば、あとは音を切ればいいだけ。
関係性がはっきりしてくれば、
音の微妙な切り方加減まで音楽的に表現できるようになるんですヨ。
単語が見えてくる。
音の方向性が見えてくる。
赤→のソ#ファミ。
ソがミに行きたい！って言ってます。
青→のラレ。
この跳躍を何も感じずに弾くことなんてできるでしょうか？
オレンジの線。
クルクル音が回るかのような山型。
同じ形が2回繰り返されているのが見えてきます。
ここまでくれば、指はすぐに覚えてくれるハズ。
指使いもわかりやすくなります。
その上音楽的に弾けるようになり、
楽しさが倍増します。
スタカートだらけで、なんだかわけわからん！と思ったら、
是非一度レガートで弾いてみてください。
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2007年10月12日
響かせたい音/第3音
昔ハーモニーを演奏する際に、先生によく言われたこと。 【楽典/本---Amazon.co.jp
『どの音を響かせたら一番キレイな音に聴こえるか、
すべての音で試してみて、いい響きを探しなさい。』
子どもの私にとって、この作業はとぉっても辛いものでした。
だってね、楽譜に書かれたすべてのハーモニーをいちいち取り出して、
１つ１つ試していたらきりがないんですよ。(^_^;)
そこで必要になってくるのが楽典や和声。
これらの知識が演奏に生かされる瞬間がココにあります。
子どもの頃は、こんな生きた楽典なんて知らなかったから、
本当に苦労しちゃったなぁ〜と思います。
本当はね、何故その音を響かせると美しく聴こえるのか、
理由がちゃ〜んとあるんです。
だって、作曲家は意識してそのハーモニーを使っているのですから。
で、第3音なのです。
１つ飛ばしの音で構成された和音。
この１つ飛ばしの和音を”基本形”といい、
一番下の音を根音、一番上の音を第5音、
真ん中の音を第3音といいます。
ドミソから成る和音は、
どんなドミソの組み合わせでも、
根音はド、第3音はミ、第5音はソです。
これがファラドの和音の場合、
ファが根音、ラが第3音、ドが第5音となります。
ここまでは机上のお話デスネ。
ここで、2つの和音を聞き比べてみます。
赤と青の音の幅の違いを感じませんか？
第3音が半音下がっただけなのに、
全然違う響きになりますネ。
ほかの形のドミソでも聞き比べてみます。
第3音の響きの豊かさったら！
わざとこの第3音を他の音より大きめに響かせてみます。
さらに色合い・響きの違いを感じるのではないでしょうか。
作曲家はこの第3音の美しい音色と性格をよぉ〜くわかっていて、
意識的に使っているんだろうな〜と思うことがよくあります。
ギロックは第3音をメロディラインに持ってきていることが多いですね〜！
これがとぉ〜っても美しいのですヨ。
サラバンドの1小節目です。
ドはメロディのド・・・とだけ考えるのではなく、
ハーモニーが美しく響く第3音の”ド”という意識も大切ですね。
こちらはコラールプレリュードの1小節目。
長3和音の第3音がソプラノにあると、
まるで光が差し込んでくるようですネ！
しかしこれらの例のように、
いつでも第3音がソプラノにきているわけではありません。
内声に第3音がある場合だってありますよね。
そんなとき、メロディの動きやバスの動きにだけ意識を使い、
このハーモニーの重要な要素である第3音への意識がなくなると、
とっても空虚な響きになってしまうことがあるのデス。
ハーモニーの変化、どこで変化し、
その変化によって自分はどう感じるのか？
例えばクーラウのソナチネop.20No.１。
8小節目から左の部分だけ抜き出してみました。
8小節目のハーモニーと12小節目のハーモニーの違い。
長3和音が短3和音になったと意識するだけで、
気持ちの込め方がググッと変わってくると思いませんか？
・・・・・ある生徒さんがこれらを色にしてくれたことがありました。
長3和音は赤、短3和音は黒というイメージだそうです。
そこに何を感じるかは人それぞれ。
大切なのは「何か」があるのだと気づくことだと思います。
また、突然表れる14小節目の＃ファ。
いきなり一拍目にこれまでの調にはない音が表れます。
この音、実は次の調の導音。
もうソに行きたくて行きたくてたまらなくなる音です。
ソに行きたい〜〜と＃ファを意識しながら弾くと、
とても自然な気持ちで第2主題へ行くことができます。
このほか、基本的に左が伴奏で右がメロディの場合。
すべてのバランスを右をしっかり、左を弱く・・・にしてしまうと、
空虚な響きに感じることがあります。
かなぁり細かい例になってしまいますが、
私はこういうちょっとしたニュアンスって大切だと思っているんですヨ。
クレメンティのソナチネOp.36No.2です。
ここまでずっと右手主体で動いてきた指。
でも、ここはハーモニーの動きがとても大切なところだと思うのです。
文章でいう句読点のようなものがココにあるからです。
それをないがしろにして、
これまで通りのバランスでつらつらつら〜と弾いてしまうのはもったいない。
ここで”レファラのファ”を今までの左手よりほんの少し響かせてあげるだけで、
響きがグンッと豊かになります。
そして、右手16分音符の♯ド。
これもと〜〜っても大切な響き。
第3音だから・・・という理由だけではありません。
この♯ドは次の調の導音で、
＃ドがあるから次のレが導きだされるという大切な音なのです。
その大切な大切な♯ドを、
16分音符のレの勢いでなんとなく弾いてしまっては、
ぼやけた♯ドになってしまいます。
そうすると、ぜんっぜんカラフルな響きじゃなくなってしまうんですよね。
特にこの♯ドだけを大きく弾く必要はないですが、
”意識”が欲しいトコロ。
意識があるのとないのとでは大きく響きが違ってくるんですヨ。
長3和音⇔短3和音の変化、
音楽の句読点で現れるハーモニーの第3音。
「あっ、この音響かせたい！」
と思う瞬間です。
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